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Salongespräch mit einer Dame in Lila

In unregelmäßigen Abständen bekommt der Blaue Salon Besuch von befreundeten Künstlerinnen und Künstlern. Ich freue mich sehr, dass ich heute eine Freundin aus der Ukraine vorstellen darf, deren wunderbare Bilder mich immer wieder begeistern. Lasst euch überraschen im Salongespräch mit Lila Dame.

Stell dich bitte kurz vor – wo lebst du, was liebst du?

Lila DameIch bin Ukrainerin und lebe in der Stadt Lviv, wo ich Design studiere. In meiner Freizeit male ich, besuche Museen und Kunstausstellungen, ich gehe gerne wandern oder tausche mich mit meinen Freunden im In- und Ausland aus.

Seit wann malst du und wie bist du dazu gekommen?

Als ich 5 Jahre alt war, besuchte ich eine Kunstschule. Die ersten künstlerischen Materialien, mit denen ich zu arbeiten begann, waren Tusche, Aquarellfarben und Gouache. Ich malte damals auf Papier und auf Leinwand. Ich erinnere mich noch sehr gut an das erste Bild, das ich mit Tusche gemalt habe. Es war das Portrait einer ukrainischen Frau in Tracht mit vielen Blumen im Haar. Seit diesem Moment begleitet mich die Tuschemalerei. Neben der Malerei mache ich Applikationen, Origami und verschiedene Formen aus Holz und Lehm. Ich habe an vielen Kunstwettbewerben teilgenommen und war in dem Bereich auch sehr erfolgreich. Das hat mich sehr gefreut und den Wunsch geweckt, mich noch mehr ins Malen vertiefen.

Tusche, Aquarell

Tusche, Aquarell © Lila Dame

 

Mit meinen Bildern möchte ich Menschen zum Denken anregen und Erinnerungen auslösen. Außerdem fasziniert mich immer die Schönheit des Moments. Diesen möchte ich einfangen.

 

 

Gibt es Dinge, die dich in deiner Kunst blockieren? Wie gehst du damit um?

Ja, es gibt auch Blockaden. Wenn ich ein Bild beginne, kann es passieren, dass es mir im weiteren Malprozess nicht mehr gefällt. Manchmal ist es dann wirklich schwer, das Bild zu beenden. Ich muss dann meine Kraft und Konzentration zusammennehmen und trotzdem weiter malen. Es passiert auch, dass ich mit einem Ergebnis nicht zufrieden bin. Manchmal dauert es dann eine Weile und ich muss Zeit vergehen lassen, um später mit einem anderen Blick auf das Bild zu sehen.

 

Jeder Künstler arbeitet anders. Gibt es ein Medium, mit dem du besonders gerne malst? Warum?

Es gibt bei mir zwei besondere Medien. Wie ich schon erwähnt habe, ist das zum einen Tusche, zum anderen aber auch Ölfarbe. Mit Tusche male ich besonders gerne, weil ich die Effekte mag, die sie erzeugt. Die Bilder sehen einfach gut aus – selbst, wenn man sich einmal weniger Mühe gibt.

An Ölfarbe gefällt mir die Konsistenz, wie sie riecht und wie sie sich auf die Leinwand oder auf den Karton legt.

 

 

Was möchtest du in deinem Leben unbedingt noch tun? Wovon träumst du?

Ich möchte eine gute Designerin werden. Und ich träume von einem Studium im Ausland, das wäre spannend.

 

Du malst ja viel – nutzt du auch noch andere künstlerische Ausdrucksformen?

Ja, ich arbeite sehr gerne auch noch mit Grafik und Skulptur.

 

Oelfarben, Acryl, Origami

Ölfarben, Acryl, Origami. ©Lila Dame

 

Hast du Vorbilder? Wenn ja, welche? Und warum ausgerechnet diese?

Vorbilder habe ich nicht direkt, weil ich gerne meinen eigenen Stil schaffen möchte. Aber ich mag den Impressionismus sehr. Mir gefallen die Bilder vom Paul Cézanne, Claude Monet oder Paul Gauguin. Sie spielten so wunderschön mit Farben.

Es gibt auch einige ukrainische Künstler, die ich sehr mag: Oleksa Nowakiwskij (Олекса Новаківський) zum Beispiel. Seine Bilder sind sehr „lebendig“.

Karlo Swirynskyj (Карло Звіринський) ist auch ein genialer Künstler. Ich staune, welch‘ moderne Bilder er malte – und das in einer Zeit, als ukrainische Künstler von der Welt und jeder Information von außen isoliert wurden.

Kateryna Bilokur (Катерина Білокур) ist ein Genie, was das Malen von Blumen angeht. Übrigens wurde ihr Talent auch von Pablo Picasso bemerkt, was wirklich interessant ist.

Die Karpaten 2015, Oelfarben

Die Karpaten. 2015, Ölfarben. ©Lila Dame

 

Die Natur, Fotos und die Bilder von anderen Künstlern inspirieren mich.

Stillleben, Guasch

Stilleben, Gouache ©Lila Dame

Wenn du eine Zeitreise machen könntest – wo würden wir dich treffen? Mit wem?

Wenn ich eine Zeitreise machen könnte, würdet ihr mich in New York, im Jahr 1950, mitten im Bronx Zoo treffen. Dort würde ich bei Jacques (Jakiw) Hnizdovsky (Яків Гніздовський) sitzen und beobachten, wie er an einem seiner berühmten Holzschnitte von den Tieren arbeitet.


 

Gefallen euch die Arbeiten von der Lila Dame? Mehr von ihr findet ihr auf ihrem Twitteraccount. Sie verkauft ihre Bilder übrigens auch – scheut euch also nicht, sie anzuschreiben :-)

 

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Spielen mit Ölfarben / Playing with oil

Ich habe das Wochenende dafür genutzt, weiter mit Ölfarben herumzuspielen. Seitdem ich einen geruchlosen Terpentinerssatz entdeckt habe, macht das mir (und meinem Kopf) auch deutlich mehr Spaß! Ich habe mich also mit großer Begeisterung den kompletten Sonntag über im Atelier vergraben, um nach Herzenslust mit Farben zu spielen – was für ein Luxus … Bei dieser Gelegenheit fiel mir auf, dass die meisten Menschen im Erwachsenenalter gar nicht mehr spielen. Dabei ist es so wunderbar, sich ganz versunken auf etwas einzulassen und dabei alles um sich herum zu vergessen. Mir geht das beim Malen so. Es ist wie ein Kurzurlaub für die Seele.

Zurück zu dem, was während des Spielens entstand. Aus mir wird wahrscheinlich niemals eine Künstlerin, die sich stundenlang mit Landschafts – oder Portraitmalerei auseinandersetzen möchte. Dazu fehlt mir (zumindest im Moment) einfach die Geduld. Viel mehr fasziniert mich, mit Farbverläufen zu spielen und herumzuprobieren, was sich mit verschiedenen Viskositäten, Fließgeschwindigkeiten und -winkeln anstellen lässt. Schemenhafte Figuren finden sich in meinem Bildern allerdings immer wieder und das wird sich wahrscheinlich so schnell auch nicht ändern. Mich interessieren Andeutungen eben mehr als das Offensichtliche.

Eines der gestern entstandenen Bilder ist „I will wait“. Genutzt habe ich dafür Indischgelb, Kadmiumrot, gebranntes Siena und Titanweiß – Farbtöne also, die im Blauen Salon bisher nur selten zum Einsatz kamen, die mir aber extrem gut gefallen und in Zukunft sicher häufiger den Weg auf die Leinwand finden werden. Wie die Farbverläufe bei diesem Bild genau entstanden sind, bleibt allerdings mein kleines Geheimnis. Verraten kann ich nur: Es war deutlich anstrengender, als es aussieht :-)

I will wait. Oil on canvas. 50cm x 60cm. ©Claire Marin, 2015

I will wait. Oil on canvas. 50cm x 60cm. ©Claire Marin, 2015

 

Kannst du noch spielen? Dich voll und ganz in etwas verlieren und dabei Neues entdecken? Womit und auf welche Weise? Wenn du möchtest, lass mir einen Kommentar zu diesem Thema hier!


This weekend I played around with oil paints. Since I have discovered an odorless alternative für turpentine it’s even a lot more fun! So I buried myself in the studio the entire sunday to play with colors – what a luxury … On this occasion, I noticed that most people in adulthood stop to play. That’s a pity because it’s so wonderful to be completely absorbed and forget everything around you. Painting, for me, feels like this. It’s like a short vacation for the soul.

Back to the results … I will never become an artist doing landscapes or portraiture. For this purpose, I am (at least for now) not patient enough. I am much more fascinated by playing with color and find out what can be explored with different viscosities, flow rates and angles. Shadowy figures can be found in my pictures, however, again and again and that will probably never change. I’m interested in hints more than in the obvious.

One of yesterdays paintings is „I will wait“. I have used indian yellow, cadmium red, burnt siena and titanium white – shades that I rarely use, but like. I think I will need them more often in future. How this painting was done exactly remains my little secret. I can only tell: It was significantly more exhausting than it looks :-)

 

 

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Inspiration / Getting inspired

Claire? Was inspiriert dich? Woher nimmst du die Ideen für deine Bilder?

Frau im Bad. Claire Marin, 2015.

Frau im Bad. Öl auf Leinwandkarton. ©Claire Marin, 2015.

Ganz ehrlich? Ich habe keine Ahnung. Ich setze mich nicht hin und fange an zu grübeln, zu welchem Thema ich ein Bild malen könnte. Es geschieht eher zufällig. Mir begegnet im Lauf des Tages ein Erlebnis oder eine Stimmung, manchmal sind es Personen auf der Straße, zu denen mir Geschichten einfallen oder auch eine inspirierende Fotografie, deren Atmosphäre mich beeindruckt. Es kann auch ein Satz sein, der in einem Buch steht oder in der Zeitung, eine Unterhaltung, die ich in der U-Bahn mitbekomme oder die Erinnerung an eine Begebenheit in meinem Leben, die plötzlich wieder ganz präsent ist und nach Ausdruck auf der Leinwand sucht. Spaziergänge helfen mir dabei, meine Gedanken und Gefühle zu sortieren. Am besten funktioniert das für mich am Meer. Kurz gesagt: Alles, was mich bewegt, kann zu einem Bild werden. Und eines ist ganz sicher: Keines meiner Bilder entsteht, ohne dass mein Herzblut mit in die Farben fließt.


Claire? What inspires you? Where do you get the ideas for your paintings?

Honestly? I have no idea. I do not sit down and start to ruminate what I want to paint. It happens by chance. Often I find inspiration in everyday situations, in a mood, listening to people on the street, I get inspired through stories or photographies. Atmospheres do impress me. Sometimes I read an inspiring quote in a book or a newspaper, or I think a conversation in the subway is quite interestering.

Often I deal with memories, which find their way onto canvas. I love long walks at the beach to let my mind wander. Everything that moves me can become a painting – but none of my paintings is created without my heart’s blood.


 

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Als Künstler erfolgreich sein – um jeden Preis? / How to become a famous artist

Aquarell auf Papier, Claire Marin, 2015Ich wurde gestern gefragt, ob Kunst unbedingt schockieren muss, um Aufmerksamkeit zu erregen. Muss man auf Teufel komm raus provozieren? Oder kann ein Künstler auch erfolgreich sein, ohne den Rahmen zu sprengen?

Meiner Meinung nach: Ja! Unbedingt sogar! Erfolg durch Zurückhaltung ist möglich – und aus meiner Sicht erstrebenswert. Wir leben in einer Welt, in der die Reize immer heftiger, immer schneller, immer lauter werden. Das Tempo erhöht sich, die Aufmerksamkeitsspannen sinken permanent und die Informationsflut wird zu einer echten Herausforderung. Ich plädiere dafür, dass Kunst in diesem schrillen Kasperletheater ausdrücklich eine Ausnahme sein darf. Sie darf schön sein, leise und scheu. Sie darf gerade durch Zurückhaltung für sich einnehmen und sie darf Aussagen treffen und Botschaften verbreiten, ohne dabei zu brüllen. Ich selbst kreiere ganz bewusst stille Kunst – weil sie mir liegt und weiß sie zu mir passt. Das Aquarell rechts ist ein Beispiel dafür. Weitere Bilder von mir findest du in meinem Portfolio.

Ich weiß, dass es da draußen eine Menge Menschen gibt, die genau diese Werke zu schätzen wissen. Mir ist dabei vollkommen egal, ob das aus marketingstrategischer Sicht sinnvoll ist.

Kunst muss nichts und darf alles.

Gerade Independent-Künstler scheinen oft der Meinung zu sein, alle anderen übertrumpfen zu müssen, um überhaupt gesehen zu werden. Der Markt ist überflutet von guter Kunst – wie sonst, wenn nicht durch schockierende oder provozierende Arbeiten soll man die Menschen überhaupt noch für sich interessieren?

Ja, natürlich gibt es diese Nische und natürlich hat auch sie ihre Berechtigung. Ich halte sie nur nicht für das einzig seligmachende Mittel auf dem Weg zum Erfolg. Ich bin der festen Überzeugung, dass jeder Künstler auf dem Markt die Sammler findet, die zu ihm passen. Wer (aus Überzeugung) schockierende Kunst produziert, findet Sammler, die nach schockierender Kunst lechzen. Wer stille Kunst anbietet, weil diese Form der Arbeiten ihm entspricht, findet die Sammler, die eben diese stille Kunst lieben. Es gibt kein richtig oder falsch – es gibt lediglich viele wunderbare Ausdrucksmöglichkeiten. Alles, worum wir uns bemühen müssen, ist Authentizität. Gute Arbeiten abzuliefern, in denen sich die eigene Seele zeigt, überzeugt auf Dauer wesentlich mehr als ein radikal verstörendes Strohfeuer, das nur entstand, weil man glaubte, dem Irrlicht der unbedingt nötigen Provokation folgen zu müssen.

Übrigens – wann immer ich erfolgreich war, führt mich mein Weg zum Beispiel ins Berliner KaDeWe – gerne in die wunderbare Gourmetabteilung. Heute stehen die Chance gut, mich dort mit einem Glas Champagner in der Hand anzutreffen. Der Grund dafür bleibt mein kleines Geheimnis … Man muss es sich – neben all der Arbeit – auch gutgehen lassen können ;-) Wenn du auf der Suche nach etwas Besonderem bist, schau einfach einmal im KaDeWe-Onlineshop vorbei. Mit jedem Einkauf dort unterstützt du mich und meine Kunst, was mich sehr freuen würde.



Was denkst du? Muss Kunst provozieren, um erfolgreich auf dem Kunstmarkt zu bestehen? Was ist dir wichtig? Womit kann eine Künstlerin oder ein Künstler dich wirklich begeistern? Schreib mir einen Kommentar dazu!


What do you think – has art to be shocking? Is it possible for an artist to be successful without deliberate provocation?

In my opinion, yes. Absolutely! In todays world, it seems like stimuli always have to get more violent, faster, louder. We live on cyberspeed, attention spans decrease and the permanent information overload is really challenging.

I’m in favour that art, explicitly, can make a difference. It is allowed to be beautiful, quiet and shy. It is allowed to capture our interest by behaving with integrity and discretion. Of course art should always contain a message and be proud share it with the world – but this can occur without shouting. I do art which ist silent and I know, there are many people out there that really appreciate my works – because it is quiet and shy. I don’t care if anybody says, art (and art marketing) should be loud, provocative or disturbing. That’s just not my cup of tea. (By the way, the waterpainting on the right is one of my very quiet works … you find more of my artworks in my Portfolio.

Art can do everything without being bound to anything. Especially Independent artists often think they have to be loud when they want to be heard at all. The art market is flooded with good art – how else if not intended by shocking or provocative work you one be interesting?

Yes, of course there is this niche but I don’t think think it’s the only road to success. It is my firm belief that every artist finds collectors who suit him. Who produces shocking arts will be found by collectors who are hungry for shocking art. Anyone offering silent art, because this type of work suits him or her better, will be loved by collectors who just love silent art.

There are only so many wonderful possibilities of expression. Stay authentic. To always deliver good work, in which one’s soul is convinced, will be more successfull in the long run than to jump on the bandwagon although it might not head to the destination where you want to be.

What do you think? Has art to be provocative and loud? What kind of art (and artmarketing) do you prefer? And what has an artist to do to impress you? Let me know by writing a comment :-)

 

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